Современное искусство и как перестать его бояться - Сергей Гущин

В художественном училище Базелица учили писать в стиле советского реализма, но Георгу попались французские книги про футуризм, а также каталоги Пикассо. Последний так впечатлил художника, что он начал использовать некоторые его работы в качестве вдохновения для создания своих небольших картин и рисунков. На втором курсе начинающий художник был отчислен «ввиду социально-политической незрелости». После этого он переехал из Восточного Берлина в Западный (стены еще не было). Его первая галерейная выставка в Западном Берлине привлекла внимание полиции, и он был оштрафован за картину, на которой был изображен мастурбирующий карлик.

Георг Базелиц, сфотографированный Лотаром Воллехом. Мюльхайм. 1971 г.

На Венецианской биеннале 1980 года, где выставлялись работы Базелица и Ансельма Кифера, разразился еще один скандал: деревянная скульптура первого, вдохновленная примитивным и аутсайдерским искусством, и представлявшая собой фигуру мужчины с одной поднятой рукой была обвинена в пропаганде нацизма. Художник отрицал эти домыслы. Современные работы Георга Базелица не лишены острых для нынешнего общества тем: они посвящены старению, физической деградации и недолговечности.

Новый реализм

В 1960 году во Франции группа художников подписала манифест, что миру стоит забыть лирическую абстракцию, художникам перестать работать в стиле абстрактного экспрессионизма, но при этом не стоит обращаться к буржуазной фигуративной живописи. Автором манифеста стал Пьер Рестани, среди подписавших были Ив Кляйн, Даниэль Сперри, Жан Тэнгли и другие. Художники назвали себя «Новыми реалистами», а в своем творчестве использовали реальные объекты (тут есть прямая связь с реди-мейдами Дюшана) и образы, которые перерабатывали и превращали в произведения искусства. Идеолог «Новых реалистов» Рестани говорил, что они пользуются «поэзией городской цивилизации», перерабатывают эстетику окружающих их афиш, вывесок, движущихся автомобилей и шума улиц. Художники полагались на окружающую их действительность, а их работы были чем-то похожи на поп-арт, ведь их тоже влекло общество потребления.

Скульптура Жана Тэнгли. 1963 г.

Швейцария

Оп-арт

Художники этого направления использовали в своих работах различные зрительные иллюзии, основанные на восприятии плоских и пространственных фигур. Их работы не только расширяли художественные формы, но и вовлекали зрителей в творческий процесс. Получалось, что работы художников, состоящие из контрастных геометрических орнаментов и иногда дополненные различными вариантами увеличительных стекол, обманывали глаза зрителя, при просмотре некоторых из них даже создавалось ощущение движения изображения.

Основными представителями направления можно считать Виктора Вазарели, Еннио Финци, группу Зеро и других.

Виктор Вазарели. Сверхновые. 1959-61 гг.

Галерея современного искусства Тейт. Лондон

Перформанс

Перформанс – это некий заранее продуманный набор действий, у которого есть сценарий. В его основе лежит определенная идея, при этом самим произведением искусства является действие художника в определенном месте и в определенное время. Перформанс включает в себя четыре элемента: время, место, тело художника и отношения художника и зрителя. При этом зачастую тело художника или его действия как раз превращаются в своеобразный холст. Истоки перформанса стоит искать в футуризме, дадаизме и театре Баухауса, также не стоит забывать «шаманские танцы», которые «устраивал» Джексон Поллок над холстом при создании своих работ в стиле абстрактного экспрессионизма.

Впервые слово «перформанс» указал на афише, приглашающей на презентацию произведения «4’33’’», композитор Джон Кейдж в 1952 году. В 60-х годах прошлого века активно использовали перформанс такие художники как Вито Аккончи, Герман Нитч, Крис Бурден, Йоко Оно, Йозеф Бойс и другие.

Перформанс «В присутствии художника» Марины Абрамович в Музее современного искусства (Ню-Йорк) в мае 2010 года

Идея перформанса заключалась в том, чтобы Марина могла посредством внимательного взгляда установить контакт с любым желающим посетителем выставки. Этот момент фиксировался фотографом. Перформанс длился 736 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям.

Поп-арт

Массовое потребление, экономический подъем и упадок абстрактного экспрессионизма привели к тому, что в Америке конца 50-х прошлого века появилось такое направление в искусстве как поп-арт (от popular art – популярное искусство).

Используя образы популярной культуры, массового производства, жаргонные фразы, слоганы и вырезки из газет – все, что попадало в поле зрения любого человека в то время, художники пытались вернуть в мир предметную живопись, но добавляли к ней иронию и китч. Основные черты данного направления – это яркие цвета, странные формы, повторяющиеся элементы. Используя весь этот арсенал, художники пытались стереть грань между «высоким» и «низким» искусством. Основными представителями поп-арта были Ричард Гамильтон, Том Вессельман, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие. Их искусство – это памятник предметам потребления, товарам из супермаркета, и социальному равенству, ведь потребляя определенный продукт, мы можем идентифицировать себя с любым другим потребителем этого продукта. С последним фактом связан и культ личности звезд, который активно использовал в своих шелкографиях Уорхол.

Колонны Королевской академии в Эдинбурге, превращенные в банки «уорхоловского» супа